Jean Delville

Jean Delville in zijn atelier rond 1896
Jean Delville in zijn atelier rond 1896

Jean Delville, geboren als Jean Libert op 19 januari 1867 en overleden op 19 januari 1953, was een Belgische symbolistische schilder, auteur, dichter, polemist, leraar en theosoof. In de jaren 1890 gold hij als de belangrijkste exponent van de Belgische idealistische stroming in de kunst. Hij verdedigde de opvatting dat kunst een hogere spirituele waarheid moest uitdrukken, gebaseerd op het principe van ideale of geestelijke schoonheid. Delville volgde een opleiding aan de Académie des Beaux-Arts in Brussel en won als jonge student al de meeste prestigieuze wedstrijdprijzen. Ook behaalde hij de Belgische Prijs van Rome. Daarna reisde hij naar Rome en Florence om werken van renaissancekunstenaars te bestuderen. In 1898 maakte hij in Italië zijn meesterwerk L’École de Platon. Tussen 1887 en het einde van de Tweede Wereldoorlog creëerde hij vele werken waarin zijn idealistische esthetiek centraal stond, met thema’s als inwijding, transfiguratie, ideale liefde, dood en de verhouding tussen het materiële en het metafysische.

Symbolistische en idealistische periode

Jan Delville, geboren als Jean Libert op 19 januari 1867, groeide uit tot een van de belangrijkste vertegenwoordigers van de Belgische idealistische stroming in de kunst tijdens de jaren 1890. Hij studeerde aan de Academie voor Schone Kunsten in Brussel, waar hij als jonge student al de meeste prestigieuze wedstrijduitgaven won. Later behaalde hij de Belgische Prijs van Rome, waarna hij naar Rome en Florence reisde om er het werk van renaissancekunstenaars te bestuderen. In 1898 maakte hij in Italië zijn meesterwerk, "De School van Plato".

Delville verdedigde zijn idealistische esthetiek in de jaren 1890 via geschriften, poëzie en tentoonstellingsverenigingen. Hij was ervan overtuigd dat kunst een hogere geestelijke waarheid moest uitdrukken, gebaseerd op het principe van ideale of spirituele schoonheid. Zijn schilderijen verbeelden filosofische idealen die voortkomen uit eigentijdse hermetische en esoterische tradities. Zijn vroege esoterische visie werd beïnvloed door Eliphas Levi, Eduard Schuré, Joséphin Péladan en Saint-Yves d’Alveydre; later sloot hij aan bij de theosofische geschriften van Helena Blavatsky en Annie Besant.

In zijn vroege werk staan inwijding en de transfiguratie van de ziel naar een hoger geestelijk doel centraal. Zijn schilderijen symboliseren ook ideale liefde, dood, transfiguratie, ingewijden en de verhouding tussen de materiële en de metafysische dimensie. Tegelijk combineren zijn doeken en tekeningen een visionaire verbeelding met nauwkeurig geobserveerde vormen uit de natuur. Delville bezat een groot talent voor kleur en compositie en blonk uit in de weergave van het menselijk lichaam. Zijn grote schilderijen, waaronder werken uit 1895, 1903 en 1942, tonen tientallen figuren met gedetailleerde anatomische nauwkeurigheid. Veel van deze grote werken bevinden zich in openbare gebouwen in Brussel, waaronder het Justitiepaleis.

Zijn stijl is sterk beïnvloed door de klassieke traditie. Delville bleef zijn hele leven een voorstander van de waarde van de klassieke opleiding in de academies en zag in die discipline een middel om een degelijke teken- en schildertechniek te verwerven. Naast zijn artistieke werk was hij een gerespecteerd academisch kunstdocent: van 1900 tot 1906 werkte hij aan de Glasgow School of Art en tot 1937 was hij hoogleraar tekenen aan de Academie voor Schone Kunsten in Brussel. Hij was bovendien een productief en getalenteerd auteur.

Publicaties en artistieke initiatieven

Jean Delville publiceerde tijdens zijn leven een groot aantal artikelen in tijdschriften. Daarnaast gaf hij vier dichtbundels uit, met werken uit 1897 en 1922, en schreef hij meer dan een dozijn boeken en pamfletten over kunst en esoterische onderwerpen. Tot zijn belangrijke gepubliceerde boeken behoren esoterische werken uit 1895 en 1913, evenals een invloedrijk werk over idealistische kunst uit 1900.

In de jaren 1890 richtte en redigeerde hij verschillende eigentijdse tijdschriften en kranten, waarmee hij de idealistische esthetiek uitdroeg. Hij was ook oprichter van meerdere invloedrijke artistieke tentoonstellingsverenigingen, waaronder een vereniging die in de jaren 1920 instond voor de decoratie van openbare gebouwen. Die vereniging was onder meer verantwoordelijk voor de mozaïeken in de halfronde zaal van het Jubelpark in Brussel. Daarnaast stichtte Delville een succesvolle organisatie die kunstenaars betaalbare kunstmaterialen aanbood.

Jeugd en opleiding

Jean Delville werd op 19 januari 1867 om 2.00 uur ’s nachts geboren in de Dominicanenstraat in Leuven. Hij kwam buitenechtelijk ter wereld in een arbeidersgezin. Zijn moeder was Barbe Libert (1833–1905), dochter van een kanaalwerker. Hij kende zijn vader Joachim Thibault nooit; die was docent Latijn en Grieks aan een plaatselijk college. Delville droeg aanvankelijk de naam van zijn moeder, tot zij trouwde met Victor Delville (1840–1918), een ambtenaar in Leuven, die hem adopteerde toen hij bekendstond als Jean Libert.

Het gezin verhuisde in 1870 naar Brussel en vestigde zich aan de Waterloolaan, nabij de Hallepoort. Daarna trok het naar Sint-Gillis, waar Delville school liep aan een inrichting in de Fortstraat. Hoewel hij aanvankelijk dokter wilde worden, ontwikkelde hij al vroeg belangstelling voor tekenen. Als jonge jongen werd hij door zijn adoptiegrootvader François Delville voorgesteld aan de kunstenaar Stiévenart. Op twaalfjarige leeftijd ging hij naar het Koninklijk Atheneum in Brussel. In 1879 kreeg hij toestemming van zijn vader om avondlessen tekenen te volgen aan de Academie voor Schone Kunsten in de Duifhuisstraat. Hij volgde er een cursus tekenen naar het klassieke hoofd en in 1882 een cursus tekenen naar torso en gezicht. Uiteindelijk verliet hij het atheneum om voltijds aan de academie te studeren.

In 1883 schreef hij zich in voor de schilderklas naar de natuur onder leiding van Jean-François Portaels, die bezwaar had tegen zijn jeugd maar hem na het toelatingsexamen onvoorwaardelijk aanvaardde. Delville studeerde vervolgens schilderkunst bij Portaels en Joseph Stallaert. Op zijn zeventiende won hij aan de academie belangrijke prijzen voor tekenen naar de natuur, schilderen naar de natuur, historische compositie, tekenen naar het antieke en figuurschilderen.

Van sociaal realisme naar symbolisme

Jean Delville stelde zich voor het eerst in een publieke context tentoon bij de gematigde tentoonstellingsvereniging Les XX, waar hij van 1887 tot 1891 aanwezig was. Zijn vroege werk behandelde vooral arbeiders- en boerenleven in een eigentijdse realistische stijl, duidelijk beïnvloed door Constant Meunier. In 1887 werden die eerste pogingen gunstig besproken in L’Art Moderne en het Journal de Bruxelles. In deze periode maakte hij ook werken geïnspireerd door de poëzie van Baudelaire, waaronder een frontispice en andere composities, evenals een hoofdwerk waarvan nog een gedetailleerde tekening bewaard is.

Zijn vroege schilderijen en tekeningen in de jaren 1880 bleven dicht bij het sociale realisme. Hij beeldde bedelaars en ontbering uit in 1885, honger in 1887 en dood in 1888. Ook werken als arbeiders- en boerenvoorstellingen uit 1888 sluiten daarbij aan. Deze beelden draaien rond armoede, wanhoop en uitzichtloosheid. Een ongedateerde tekening toont een gevallen figuur, ineengekrompen op zijn zij in een kale landschapsomgeving. In 1888 trok hij ook de aandacht met een zeer omstreden studie voor het schilderij Het Wilgenhout, waarin een vrouw in barensnood wordt afgebeeld. Dat onderwerp werd als schokkend ervaren en als strijdig met de burgerlijke smaak. Enkele van zijn werken werden bovendien uitgelicht als tot de opmerkelijkste van de tentoonstellers van 1888 te behoren.

Tussen 1888 en 1889 verschoof Delvilles belangstelling geleidelijk naar het idealisme. Op L’Essor toonde hij in 1889 Het genie van de kunst, een werk dat inmiddels verloren is gegaan en dat al een beweging weg van het realisme suggereerde. Een belangrijke stap volgde in 1890, toen hij op de Wereldtentoonstelling zijn monumentale laatste werk Het Rad van Fortuin presenteerde, een compositie van 9 bij 6 meter, geïnspireerd door Dantes Goddelijke Komedie. Hij werkte ook aan grote visioenen van verstrengelde figuren die door de diepten van de hel zweven, en aan thema’s rond minnaars die bezwijken voor hun erotische driften. In Het onderdrukken van de hartstochten om geestelijke verheffing te bereiken verbeeldde hij het idee dat lagere hartstochten moeten worden beheerst om tot spirituele transcendentie te komen. Het schilderij De Vlamme van de ziel werd later vernietigd tijdens de brandstichting in Leuven in 1914, en kreeg destijds weinig enthousiaste reacties in de pers.

In 1892 zette Delville een nieuwe stap met de oprichting van Les XX, dat uitgroeide tot een van de bekendste avant-gardistische tentoonstellingsverenigingen in Brussel. Hij bracht internationale kunstenaars samen, onder wie Karel Schwabe, Alexander Séon, Karel Filiger en Jan Verkade. De eerste tentoonstelling, in november 1892, toonde werken in impressionistische of symbolistische trant; Delville ontwierp er ook de affiche voor, met een langhalzige sfinx en een brandende kelk. Zijn hoofdwerk in dat jaar, Schatkamers van Plato, gold als een belangrijk beeld van de periode. De pers reageerde overwegend positief, en Delville werd in verband gebracht met de Salons van de Rozenkruis van Joséphin Péladan in Parijs. In januari 1894 volgde een tweede tentoonstelling van Les XX, met naast schilderijen ook toegepaste en decoratieve kunsten zoals wandtapijten, boekbanden en smeedwerk. Daar toonde Delville idealistische werken beïnvloed door laat-vijftiende-eeuwse Florentijnse kunst, Gustave Moreau, Puvis de Chavannes en grootschalige figuurcomposities. Ook deze tentoonstelling kreeg een enthousiaste ontvangst in de pers.

In de eerste helft van de jaren 1890 stelde Delville nog verschillende belangrijke werken tentoon, waaronder Portret van mevrouw Stuart, École de Platiné, De dood van Orpheus en De zang van liefde en dood van Cornelius Agrippa. Criticus Ernest Verlant prees zijn werk in de pers, noemde hem een van de voornaamste leden van de groep van de Rozenkruisers en omschreef hem als schrijver en dichter met een krachtige verbeelding. In dezelfde periode maakte Delville ook Le Cycle passionnel, De Engel van de luister, De schilderkunst, De markt van de ideeën, L’Idéal, het schilderij met een dode mannenkop die tussen de fluiten van een grote lier drijft, L’Idole en de werken L’Apparition en L’Illumination.

Van de Salons de la Rose+Croix naar de Salons d’Art Idéaliste

In de jaren 1890 stond Jean Delville nauw in verband met Joséphin Péladan en diens idealen. Vermoedelijk ontmoette hij Péladan in Parijs omstreeks 1888. Delville deelde diens opvatting dat er een forum moest komen voor uitsluitend idealistische kunst, en hij trachtte die kunst via de Salons de la Rose+Croix ook in België onder de aandacht te brengen. Hij nam van 1892 tot 1895 deel aan Péladans Salon de la Rose+Croix, en toonde er voor het laatst een werk in januari 1895. In die periode stelde hij er achtereenvolgens een werk tentoon op het eerste salon in 1892, acht werken op het tweede in 1893, zeven werken op het derde in 1894 en vier werken op het vierde in 1895, waaronder een portret van Péladan.

In 1895 begon Delville de oprichting voor te bereiden van zijn eigen idealistische tentoonstellingsvereniging, Les Salons d’Art Idéaliste, die hij in 1896 voor het publiek opende. Zijn schilderij De Magiër uit 1894 was het hoofdwerk dat daar werd getoond. Tegen 1896 begon hij zijn formele banden met Péladan te verbreken. Later in de jaren 1890 werd hij ook met de theosofie geassocieerd.

Naast deze activiteiten exposeerde Delville vele werken in Brussel in verschillende tentoonstellingen. Hij leefde er als behoeftig kunstenaar in Sint-Gillis, terwijl hij met een groeiend gezin moest rondkomen van zijn kunstenaarschap.

De Prijs van Rome

Op advies van beeldhouwer Victor Rousseau besloot Jean Delville deel te nemen aan de Prijs van Rome, een keuze die onder zijn collega’s voor controverse zorgde. In juni 1895 begon hij aan de competitie aan de Academie voor Schone Kunsten in Antwerpen. Tijdens de wedstrijd werd hij afgezonderd in kleine ateliers en moest hij onder een strikte tijdslimiet werken. Hij maakte eerst een afgewerkte tekening vóór hij het uiteindelijke schilderij uitwerkte. In oktober 1895 werd bekendgemaakt dat hij de Prijs van Rome had gewonnen. Tegen die tijd was Delville al een gevestigde figuur in avant-gardekringen. Na zijn overwinning reisde hij naar Italië om er de klassieke renaissancekunst te bestuderen.

Eindexamen aan de Academie van Antwerpen

Bij het eindexamen in zijn artistieke loopbaan tussen 1887 en 1900 moesten zes deelnemers hun eindwerk schilderen in een afgelegen hut. De voorlopige tekening moest in een gang van de Academie van Antwerpen worden achtergelaten. In de hut waren geen tekeningen toegestaan; alleen levende modellen mochten worden gebruikt. Na een bezoek van een toezichthouder moesten de deelnemers telkens van kleding veranderen wanneer zij opnieuw de hut binnengingen. Binnen drie dagen maakten zij een schets voor het vereiste schilderij, waarna zij tachtig dagen kregen om het werk af te werken zonder bezoekers of advies. De jury bestond uit de bekendste kunstenaars van het land.

Romeinse jaren en idealistische evolutie

Tussen 1887 en 1900 moest Jan Delville originele werken schilderen die gebaseerd waren op studies van klassieke kunst, en bovendien kopieën maken naar oude meesters. Daarnaast stuurde hij regelmatig verslagen naar de Antwerpse Academie over zijn werkzaamheden. In Rome ontstonden meerdere opmerkelijke schilderijen die een evolutie tonen naar een verfijnde idealistische esthetiek. In 1895 publiceerde hij zijn eerste boek over esoterische filosofie. Binnen deze periode geldt zijn schilderij uit 1896 als een belangrijk initiatiewerk, terwijl zijn schilderij uit 1898 wordt beschouwd als zijn grote meesterwerk van die jaren. Dat werk werd ook op de tentoonstelling van 1898 getoond en kreeg daar algemene bijval.

De idealistische salons en het manifest

Tussen 1887 en 1900 wijdde Jean Delville zich uitsluitend aan het tentoonstellen van kunst van een idealistische aard. Zijn programma werd aangekondigd in een reeks polemische artikels die voorafgingen aan de opening van de eerste Salon, en werd samengevat in een kort manifest dat vóór die opening verscheen. Daarmee koos hij voor een vroege vorm van een avant-gardebeweging die door een manifest werd ondersteund. De Salons gingen gepaard met een reeks voordrachten en muzikale soirées, en ze sloten vrouwenkunstenaars in, in tegenstelling tot andere eigentijdse avant-gardekringen. Volgens het manifest moest dit alles bijdragen tot een esthetische renaissance in België.

Jaar na jaar bracht Delville daarin verspreide elementen van artistiek idealisme samen, met een uitgesproken voorkeur voor schoonheid. Hij verzette zich tegen de decadentie en de verwarring van de realistische, impressionistische en libristische scholen, die hij als gedegenereerde kunstvormen beschouwde. Daartegenover stelde hij denken, stijl en techniek voor als eeuwige principes van volmaaktheid in het kunstwerk. Ook de creatieve persoonlijkheid van de kunstenaar erkende hij als vrij binnen de esthetiek. Ware kunst, zo stelde hij, vereist spirituele schoonheid, plastische schoonheid en technische schoonheid. Tegelijk beweerde hij de traditie van de idealistische kunst voort te zetten, van de oude meesters tot de hedendaagse.

De Salons kregen ondanks de aanvankelijk felle polemieken geleidelijk meer aanvaarding, en de pers reageerde meestal positief. In maart 1897 vond de tweede Salon plaats in de kunstlocatie van Edmond Picard. In maart 1898 volgde de laatste Salon. Daar werd Delvilles meesterwerk tentoongesteld, dat het hoogtepunt vormde van het idealistische programma en door tijdgenoten ruim werd geprezen. Ook zijn belangrijkste werk, *De schat van de Sirene*, toonde hij in 1895 in de Koninklijke Musea voor Schone Kunsten in Brussel, nadat het eerder al op het Gentse Salon was getoond. In dat werk verbeeldde hij een satanische figuur onder water met octopustentakels in plaats van vleugels, terwijl de schatten werden voorgesteld als slapende figuren omringd door juwelen en gouden munten. De toestand van sluimerend geluk symboliseerde het bezwijken voor satanische zinnelijkheid en materialisme, zodat het werk kon functioneren als een afwerend beeld tegen lagere driften en materiële sensualiteit.

Idealistische kunst en theosofie

Na 1900 publiceerde Jean Delville een werk over idealistische kunst, getiteld *Idealistische kunst in 1900*. In dezelfde periode sloot hij zich nauw aan bij Annie Besant, die een leidende figuur was binnen de theosofische beweging. Delville had al in 1899 het tijdschrift *Le Lotus* opgericht, dat gewijd was aan theosofische ideeën. In 1911 werd hij de eerste algemeen secretaris van de Belgische afdeling van de Theosofische Vereniging. Deze activiteiten tonen aan dat hij na de eeuwwisseling niet alleen als kunstenaar actief bleef, maar ook een belangrijke rol speelde in de verspreiding van theosofische denkbeelden.

Naast zijn theoretische en organisatorische werk bleef Delville ook schilderen. In 1903 maakte hij *Orpheus in de onderwereld*, dat zich bevindt in het Groeningemuseum in Brugge. Vier jaar later volgde *Het raadsel van het uur* in 1907, dat nu bewaard wordt aan de Vrije Universiteit Brussel. Ook werkte hij aan een groot schilderijenensemble, *Gerechtigheid door de eeuwen heen*, voor het Assisenhof in het Justitiepaleis. Dit monumentale geheel bestond uit vijf grote doeken, waaronder het centrale werk *Gerechtigheid*, van 11 meter op 4,5 meter, en twee zijpanelen, *Gerechtigheid van het heden* en *Gerechtigheid van de toekomst*, beide 4 op 3 meter. De twee overige panelen stelden *Gerechtigheid van het verleden* en *Gerechtigheid van het heden* voor. De oorspronkelijke schilderingen werden op 3 september 1944 door Duitse bombardementen in het Justitiepaleis vernield. Tijdens de wederopbouw na de Tweede Wereldoorlog werden kleinere vervangingen geplaatst.

Londen, Brussel en de oorlogsjaren

In 1900 kreeg Jean Delville een lesopdracht aangeboden aan de Glasgow School of Art. Hij leidde er studenten op van wie de werken later werden geprezen op de jaarlijkse tentoonstellingen in Londen. In 1907 keerde hij terug naar Brussel, waar Britse studenten hem bleven volgen voor opleiding in de Rue Morris. Datzelfde jaar werd hij benoemd tot hoogleraar levensstudies aan de Brusselse Academie, een functie die hij bleef uitoefenen tot zijn pensioen in 1937.

Tijdens de oorlogsjaren verbleef Delville met zijn gezin als Belgische balling in Golders Green, in Londen. Zijn twee oudste zonen, Elie en Raphaël Delville, werden opgeroepen voor de Belgische oorlogsinspanning. In Londen leverde Delville bijdragen in de vorm van geschriften, kunst en openbare toespraken ter ondersteuning van Belgen in ballingschap en van de oorlogsinspanningen. In de krant L’Indépendance Belge publiceerde hij artikelen en gedichten waarin hij de Duitse agressie veroordeelde.

Daarnaast was hij een actief lid van een filantropische vereniging voor Belgische vluchtelingen en voorzitter van de vereniging die de publicatie Belgische Kunst in Ballingschap uitgaf. Deze uitgave bevatte schilderijen en werken van eigentijdse Belgische kunstenaars en bracht geld op voor Belgische liefdadigheidsinstellingen in Engeland. Delville schreef ook de inleiding voor deze publicatie. In Groot-Brittannië was hij bovendien een actieve vrijmetselaar binnen de loge Albert 1er.

Openbare monumentale kunst en idealistische programma’s

Na 1900 bleef Jean Delville zich richten op kunst die in de openbare ruimte zichtbaar was en volgens hem een opvoedende rol voor iedereen kon vervullen. Al vroeg in zijn loopbaan had hij belangstelling voor kunst die voor het brede publiek bestemd was, en hij keerde zich tegen kunst die enkel voor een kleine elite werd gemaakt en via handelaars ten voordele van verzamelaars werd verkocht. In zijn geschriften over de sociale functie van kunst verdedigde hij herhaaldelijk het idee dat kunst de zwaarte van het denken bij het publiek moest vergeestelijken. Die overtuiging sloot aan bij zijn theosofisch-socialistische visie, die hij gedurende zijn hele leven behield en die hij in twee artikels uit 1912 en 1913 formuleerde.

Zijn engagement kreeg ook een monumentale uitwerking. In 1920 werkte hij samen met onder meer Constant Montald, Émile Vloors, Omer Dierickx, Émile Fabry en Albert Ciamberlani aan de Vereniging voor Monumentale Kunst, die aandacht vroeg voor de nood aan kunst voor openbare gebouwen. Het project gebeurde onder de bescherming van koning Albert I en werd gefinancierd via een nationale inschrijving. De kunstenaars hadden elkaar vaak al gekend of samengewerkt sinds hun academietijd, en Fabry en Ciamberlani hadden eerder al deelgenomen aan Delvilles idealistische forums in de jaren 1890.

Het grootste gezamenlijke initiatief was de decoratie van de wanden in de colonnades van de halfcirkelvormige zijvleugels van de Arcade van het Jubelpark. Delville gaf in 1924 de visie vorm van een fries in mozaïek tussen de zuilen van de halfcirkel. Elke kunstenaar werkte zes afzonderlijke ontwerpen uit voor uiteindelijke mozaïeken van drie meter hoog, samen goed voor een lengte van 120 meter. De eenheid werd bereikt door dezelfde horizonlijn, een gelijke schaal voor de figuren en een beperkt kleurenpalet. De linkervleugel verbeeldde België in vrede met werken van Fabry, Vloors en Montald over het materiële, intellectuele en morele leven; de rechtervleugel stelde het heroïsche België voor met werken van Delville, Ciamberlani en Dierickx over de overwinning, hulde aan de helden en de oorlog.

Naast dit monumentale programma bleef Delville na 1900 ook schilderijen maken met sterke allegorische en dramatische beeldtaal: in 1916 een vrouwelijke figuur met zwaard die een aanvallende Germaanse adelaar tegenhoudt, in 1918 een moderne piëta met aan haar voeten het lichaam van een bloedende gesneuvelde soldaat, in 1919 een groep rouwende moeders, en in 1924 twee enorme hemelse legers die tegenover elkaar staan. Dat laatste werk werd openlijk tentoongesteld in het Palais de Justitie, meet 5 bij 8 meter en bevestigde opnieuw zijn streven naar kunst met publieke en morele zichtbaarheid.

Latere jaren en stilistische evolutie

Vanaf de jaren 1920 kende Jean Delville een meer gesetteld en succesvol parcours. Hij voltooide twee belangrijke openbare opdrachten in het Justitiepaleis en in het Jubelpark, en werd in 1924 verkozen tot lid van de Belgische Koninklijke Academie voor Wetenschappen en Letteren. Tot 1937 bekleedde hij bovendien een post aan de Academie voor Schone Kunsten in Brussel. In die jaren bleef hij werken aan grootschalige idealistische kunst, een ambitie die hij tot het einde van zijn schildercarrière behield. Zo maakte hij onder meer in 1924 een werk van 55 × 800 cm in het Justitiepaleis, in 1931 een werk van 450 × 300 cm in een privécollectie en in 1940 een werk van 298 × 231 cm in het Koninklijk Museum voor Schone Kunsten in Antwerpen. Zijn latere werk bleef getuigen van expressieve kracht en een zeer uitgewerkte afwerking. In de jaren 1930 veranderde zijn stijl, vooral tijdens zijn verblijf in Bergen: zijn werken werden sterker gestileerd en geometrischer in vorm en kleur, met blekere of meer pastelkleurige tinten, minder energie en minder levendige contrasten. Ook de figuren werden gestileerder, met amandelvormige ogen die een buitenaardse indruk gaven. Voorbeelden van deze stilistische wending zijn te vinden in werken uit 1932, 1934, 1937 en 1938. Delville bleef tot 1947 schilderen, toen artritis in zijn rechterhand hem dwong ermee op te houden. Tot aan zijn dood in 1953 bleef hij een toegewijde en gepassioneerde theosoof, en hij beschouwde de theosofie zijn hele latere leven als de basis van zijn morele en artistieke visie.

Ideaalistische theorie en kunstbeschouwing

Jean Delville schreef uitgebreid over theorie en techniek en werkte daarbij zijn idealistische esthetiek systematisch uit. In 1900 publiceerde hij zijn eerste hoofdwerk over deze visie. Zijn theorie was een synthese van Plato, Schopenhauer, Hegel en esoterische filosofie. Delville beschouwde kunst als de uitdrukking van het Ideaal in materiële vorm en stelde dat kunst gegrond is op het principe van de Ideale Schoonheid. Volgens hem openbaart die Ideale Schoonheid het Ideaal of de geestelijke werkelijkheid in voorwerpen, en maakt het beschouwen ervan het mogelijk de spirituele dimensie waar te nemen. Dat waarnemen leidt tot transfiguratie.

Delville benadrukte ook de uitdrukkingswaarde van idealistische kunst. Hij zag die kunst als een kracht die energie uitstraalt en het bewustzijn verheft en transformeert. Hij omschreef idealisme in de kunst als het binnenbrengen van spiritualiteit in de kunst. De Idee beschouwde hij als een uitdrukking van het Ideale rijk en als een levende kracht binnen de transpersoonlijke menselijke ervaring.

Daarnaast onderscheidde Delville drie vormen van schoonheid: spirituele schoonheid, formele schoonheid en technische schoonheid. Spirituele schoonheid zag hij als de bron van schoonheid in fysieke objecten, formele schoonheid als de fysieke articulatie van schoonheid in kunstwerken, en technische schoonheid als de uitvoering van lijn, kleur, licht en schaduw, en compositie om Ideale Schoonheid uit te drukken in fysieke objecten en kunstwerken. Deze drievoudige opvatting verbond hij met de esoterische idee van de drievoudige natuur van de werkelijkheid, namelijk het natuurlijke, menselijke en goddelijke domein. Ook de drievoudige natuur van de mens verbond hij ermee: lichaam, ziel en geest.

Ideale kunst: theorie en techniek

Volgens Delville moet de ideale kunst het natuurlijke, het menselijke en het goddelijke met elkaar in harmonie brengen. Zij vraagt om de zuiverste idee op intellectueel vlak, om de schoonste vorm binnen het artistieke domein en om de meest volmaakte techniek in de uitvoering. Een werk zonder idee mist volgens hem zijn intellectuele opdracht, een werk zonder vorm zijn natuurlijke opdracht en een werk zonder techniek zijn doel van volmaaktheid.

De kern van deze opvatting ligt in het evenwicht tussen idee, kunst en techniek. Geen van deze drie elementen mag de andere overheersen; hun onderlinge verhouding moet in proportie staan tot hun eigen kracht. Delville zag daarin het karakter van de idealistische kunst.

De zuiverste uitdrukking van die kunst vond hij in de klassieke traditie van de oude Griekse kunst en van de hoge renaissance. Klassieke kunst beschouwde hij daarbij als de meest zuivere belichaming van het geestelijke in materiële vorm.

Stijl en techniek

In de jaren 1890 zocht Jef Delville in theorie en techniek naar een herinterpretatie van het klassieke idioom in een eigentijdse context. Zijn bedoeling was niet om klassieke kunstvormen te kopiëren of te imiteren, maar om een eigen idealistische kunststijl vorm te geven. Daarbij beschouwde hij harmonie en evenwicht als fundamenteel om het geestelijke in natuurlijke vormen tot uitdrukking te brengen. Hij schreef dat het Schone, het Ware en het Goede synoniemen zijn, en dat de glorie van de kunst erin bestaat deze begrippen zichtbaar te maken voor het menselijk oog.

Delville ontwikkelde een herkenbare schilderstijl met sterk uitgewerkte en nauwkeurige vormgeving. Zijn werken zijn doorgaans niet overladen met details, maar vatten de essentie van de vormen met de eenvoudigste middelen. Figuren tekende hij af met lange, golvende contouren, terwijl de anatomie slechts licht werd gesuggereerd door zachte licht- en schaduwcontrasten. Zo kon hij grote schoonheid in de figuur uitdrukken zonder overdreven sensuele effecten, vaak met een techniek die aan renaissancistische fresco’s doet denken.

Ook kleur speelde een belangrijke expressieve rol. Delville had een grote verbeelding voor kleurgebruik; zijn palet is vaak levendig en bijna visionair. In sommige schilderijen plaatste hij iriserend, doorschijnend goud in de gewaden van engelen tegenover aardse natuurelementen. In zijn voorstelling van Plato’s Akademos gebruikte hij dan weer gedempte, koele kleuren en pasteltinten om een intellectuele idylle te benadrukken.

Landschappen, stillevens of portretten schilderde hij zelden om hun eigen waarde. Wanneer zulke elementen toch voorkomen, maken ze deel uit van figuurcomposities. Bijna al zijn schilderijen concentreren zich op het menselijk lichaam, dat hij inzette om idealistische ideeën en techniek uit te drukken. Hij gaf de menselijke vorm op uiteenlopende manieren weer: lenige en soepele mannen- en vrouwenfiguren, zeer expressieve, pezige en bijna uitgemergelde vormen vol lijden en onrust, of juist gespierde, titanische anatomieën in heroïsche figuren. Zo onthulde hij via zijn schilderijen zijn artistieke programma.

Het portret van mevrouw Stuart Merrill

Jean Delville maakte in 1892 een portret van mevrouw Stuart Merrill in krijttekening, en werkte ook met potlood, pastel en kleurpotlood op papier voor een werk van 40 × 32,1 cm dat zich in Brussel in het Koninklijk Museum voor Schone Kunsten bevindt. Binnen zijn idealistische kunstpraktijk behandelde hij schilderijen zelden uitvoerig en liet hij de interpretatie vaak aan de toeschouwer over. Het portret van mevrouw Stuart Merrill toont haar als een medium in trance, met de ogen opwaarts gericht. Rond haar hoofd plaatste Delville een lichtende rood-oranje gloed en warme kleuren, die verwijzen naar aardse vuren van hartstocht en zinnelijkheid. Onder haar kin beeldde hij een boek af met een opwaarts gerichte driehoek, als symbool voor volmaakte menselijke kennis, die in de inscriptie wordt verbonden met magie, de kabbala en het hermetisme. Zo suggereerde Delville ook occultisme en wijsheid, en daarmee een mogelijke inwijding via het portret. Volgens verschillende auteurs kreeg dit beeld een unheimische, bovennatuurlijke of magische uitstraling, en wordt het soms de Mona Lisa van de jaren 1890 genoemd, met een alternatieve titel. Over mevrouw Stuart Merrill zelf is weinig bekend; haar voornaam wordt in de literatuur niet genoemd. De identificatiegegevens werden door Delvilles zoon Olivier opgenomen in zijn biografie van de schilder. Olivier beschreef haar als een Belgische vrouw met een vreemde schoonheid en een mediumistisch karakter. Zij was verbonden met de symbolistische dichter Stuart Merrill, die in Forest een huis had in de buurt van de Delvilles. Mogelijk maakte Delville ook nog andere portretten van haar, waaronder de tekening Medusa uit 1893 in dezelfde techniek. Het werk werd niet door de Merrills aangekocht en bleef bij de Delvilles tot het eind jaren 1960 werd verkocht aan een particuliere verzamelaar uit Californië.

Schilderij in het Museum voor Schone Kunsten Brussel

Het schilderij "Practise: idealist artworks painting" werd in 1998 aangekocht door het Museum voor Schone Kunsten Brussel. Het werk is publiek te bezichtigen in dat museum. Het betreft een olieverfschilderij op doek met afmetingen van 127 x 146 cm, dat zich in het Museum voor Schone Kunsten Brussel bevindt.

Duivelse verleiding en initiatie

Jean Delville ontwikkelde in deze fase van zijn oeuvre een uitgesproken idealistische beeldtaal waarin initiatie, geestelijke verheffing en de spanning tussen tegenstellingen centraal stonden. Zijn werken draaiden vaak rond de dualiteit tussen licht en duister, geest en materie, en tussen de natuur en het Ideaal. Hij ging uit van de overtuiging dat er een transcendente of geestelijke dimensie bestaat als grondslag van de werkelijkheid, terwijl de waarneembare materiële wereld volgens hem een illusie was die lijden en ontevredenheid met zich meebracht. Het doel van de mens zag hij erin het zijn te vergeestelijken en de materiële zelfheid en verlangens te verfijnen.

In dit verband stelde Delville de materiële sfeer voor als het domein van Sathan, die de lagere bestaansvormen beheerst. In het schilderij "Satan’s Schat" uit 1895 en 1896, een olie op doek van 258 × 268 cm die zich in het Museum voor Schone Kunsten van Brussel bevindt, werkte hij deze ideeën uit. Het werk werd in september 1895 getoond op het Salon van Gent, terwijl Delville in 1895 ook nog werkte aan zijn inzending voor de Belgische Prijs van Rome. De tentoonstelling in Brussel in 1896 was de eerste tentoonstelling van het werk daar.

Het schilderij stelt Sathan tegelijk aantrekkelijk, verleidelijk, machtig en sensueel voor. De figuren in de compositie bevinden zich niet in pijn of kwelling, maar in een toestand van dromerigheid en gelukzaligheid, onbewust van de geestelijke werkelijkheid en toegevend aan goud en zinnelijk genot. Daarmee sluit het werk aan bij Delvilles bredere opvatting dat de eerste stap op de weg van initiatie en transcendentie bestaat uit het overwinnen en beheersen van de beperkingen van de schijnbare materiële wereld. Het beheersen van passies en verlangens is volgens hem noodzakelijk om de weg vrij te maken voor de verheffing van de ziel.

Dat motief keerde ook terug in zijn teksten. In een artikel in een tijdschrift uit 1893 behandelde hij de overheersing van het lichaam door de geest. Hij stelde daarin dat de ware man slechts op de prikkels van het vlees reageert voor zover zijn wil dat toelaat. Ook wees hij erop dat werken van de Sar het bannen van seksuele conflicten verdedigen en pleiten voor kuisheid. Volgens hem ontwikkelt ware maagdelijkheid de krachten van de ziel en verleent zij bijzondere vermogens aan wie zich eraan toewijdt. In 1897 publiceerde hij bovendien een bundel gedichten met talrijke verwijzingen naar Sathan, waaronder het gedicht "De Donkere Ster", dat het motief van satanische invloed en het kwaad oproept. Daarin beschreef hij Sathan als een wezen dat een donkere vlam van boze toverkunst ontsteekt om de schuldigen te betoveren, en als een macht die despotisme vermengt met absurditeit, leugens, haat en onwetendheid tegenover het Schone, de Liefde, de Hemel en de Waarheid.

Idealis­tische kunstwerken

«Practise: idealist artworks» is een olieverfschilderij op doek van 2,60 meter hoog en 6,05 meter lang, dat zich bevindt in Parijs, in het Musée d'Orsay. Het werk roept de serene schoonheid van de klassieke wereld op, samen met haar esthetische en filosofische principes. Het werd geschilderd tijdens een verblijf in Italië, na het winnen van de Belgische Prijs van Rome, wat de kunstenaar in staat stelde klassieke werken uit de Renaissance en uit de oudheid te bestuderen. De stijl is geïnspireerd op Italiaanse fresco's van Rafaël en Michelangelo, die hij in Rome zag, en wordt gekenmerkt door een krachtige articulatie van de vormen en een matte afwerking. Het werk bevat figuren die bijna levensgroot zijn. Het werd voor het eerst tentoongesteld op de laatste tentoonstelling van de kunstenaar in Brussel in 1898 en kreeg van tijdgenoten de lof van meesterwerk. Ook een toonaangevend avant-gardistisch kunsttijdschrift, dat meestal vijandig stond tegenover zijn kunst, prees het werk.

Idealisme, androgynie en kosmische eenheid

Jean Delville werkte in deze periode binnen een idealistische kunstvisie die sterk doordrongen was van de esoterische traditie en de verborgen filosofieën die toen populair waren. Binnen die visie zag hij inwijding als een traditie die deugd, zelfverbetering en geestelijke vooruitgang verheerlijkt. Hij verwees daarbij naar Édouard Schuré, die Plato als een van de ‘Grote Ingewijden’ beschouwde, en benadrukte Plato’s leer over de wezenlijke tweedeling tussen de materiële en de metafysische dimensie. Delville duidde ook Plato’s gebaar van omhoog en omlaag wijzen als een verwijzing naar de dualiteit tussen macrokosmos en microkosmos.

Voor Delville lag de kern van de esthetische filosofie in het bereiken van het Ideale rijk en in het zichtbaar maken van de waarheden daarvan in lichamelijke vorm. Kunst moest volgens hem de Absolute of Spirituele Schoonheid uitdrukken in de zichtbare wereld. De klassieke kunst gold voor hem als de zuiverste uitdrukking van dat streven, en hij zocht dan ook naar een herleving van klassieke kunstideeën, aangepast aan het culturele tijdvak waarin hij werkte. In dat verband beschouwde hij het menselijk lichaam als de zuiverste verbeelding van Ideale en Spirituele Schoonheid. Daarom beeldde hij vaak naakte mannelijke en vrouwelijke figuren af als dragers van die schoonheid. De naaktfiguur zag hij als synthetisch en universeel: zij riep de mensheid en het universele leven op, verlevendigde geest en aarde, en liet sterren en zielen schitteren. Hij stelde ook dat het naakt de kosmos, wezens en dingen beheerst en beweegt in een oneindig ritme en in het mysterie van de Eeuwigheid. Universele Schoonheid vatte hij op als opgebouwd uit Liefde, Wijsheid en Licht, die voor altijd schijnen en weerkaatsen.

Een belangrijk onderdeel van zijn denken was de androgynie. In zijn schilderkunst stelde hij mannen voor in een geïdealiseerde androgene vorm, waarbij hij het begrip androgynie ontwikkelde om een niet-erotische volmaaktheid uit te drukken die mannelijke en vrouwelijke beginselen synthetiseert. Daarmee wilde hij een oorspronkelijke staat van menselijke volmaaktheid oproepen, vóór de splitsing en de dubbele ervaring van de aardse werkelijkheid.

Dit komt onder meer tot uiting in een werk in tempera en olieverf op doek van 268 x 150 cm, bewaard in Brussel, in het Gemeentelijk Museum voor Schone Kunsten van Elsene. Het werk toont de vereniging van zielen, mannelijk en vrouwelijk, in een kosmische omgeving. Het suggereert een terugkeer naar eenheid binnen de dubbele mannelijke en vrouwelijke beginselen van de menselijke ervaring, en verbeeldt het resultaat van geestelijke androgynie door de vereniging van mannelijke en vrouwelijke energie. Zo staat het voor een toestand van heelheid en volledige eenheid van het Zijn, en voor een kosmische opvatting van het doel van het bestaan voorbij tegenstellingen, polariteit en onenigheid. Het werk symboliseert ook een terugkeer naar de oorspronkelijke staat van volmaaktheid en de integratie van tegenstellingen, waarbij de mens wordt verbonden met de kosmische geest voorbij tijd, ruimte en de dualiteit van het materiële bestaan. Tegelijk verwijst het naar een geestelijke vereniging die het transcendente wezen doet ontstaan, de kosmische Christus in het innerlijk.

Delville verbond deze beeldtaal met zijn gedachten over dualiteit, tegengestelde krachten en de noodzaak van evenwicht. Hij verwees naar het ‘Evenwicht in de Universele Orde’ als een natuurlijke wet, met negatieve en positieve polen in de krachten en uitingen van de natuur. Geen filosofie, dogma of leer zou volgens hem zegevieren over die natuurwet van het evenwicht. In het schilderij plaatst hij de figuren in een onbepaalde, kosmische ruimte, om hun transcendente geestelijke natuur te benadrukken. Kleurbanden suggereren daarbij een vloeiend energieveld dat de figuren draagt, terwijl hij ook verwijst naar ‘astraal licht’ als de energiekracht die levende wezens bezielt. Het werk is uitgevoerd in tempera, met pigmenten vermengd met eiwit, wat een heldere afwerking en een bijzonder duurzaam kunstwerk opleverde. Zijn gebruik van tempera werd sterk beïnvloed door de Italiaanse renaissanceschilders, en hij bracht de verf aan in kleine streken, waarbij hij de kleuren optisch liet mengen in plaats van op het palet.

Kunstzinnige inzet en gezinsleven

Jean Delville bleef onafgebroken schilderen en schrijven om zijn idealen aan de wereld over te dragen. Om zijn inkomsten aan te vullen, gaf hij ook kunstonderricht. Zijn diep gekoesterde overtuigingen paste hij toe in zijn persoonlijke leven. Hij werd beschreven als een man van moed, volharding, rechtschapenheid en intellect. Daarnaast was hij een rechtschapen gezinshoofd dat streng was voor zijn zes kinderen.

Idealisme en maatschappelijke opdracht

In de beginperiode van zijn carrière stelde Jean Delville niet tentoon bij de belangrijkste Brusselse tentoonstellingsverenigingen. In plaats daarvan verkocht hij werken via persoonlijke genootschappen die bedoeld waren om een forum te scheppen voor idealistische kunstenaars. Delville verbond kunst nadrukkelijk met een maatschappelijke opdracht: kunst moest volgens hem een kracht worden die de samenleving kon veranderen en het leven verbeteren. Hij meende dat kunst een opvoedende werking in de samenleving moest krijgen en zich bewust moest zijn van haar missie.

Delville zag de maatschappij als verzadigd door materialisme, sensualisme en commercialisme. Volgens hem kon een herverspiritualisering van de samenleving die kwalen verhelpen. Hij omschreef het idealisme als iets met een universele opvoedkundige en sociale impact. De mensheid moest daarbij worden benaderd vanuit de vitaliteit van haar ideale toekomst. Kunstenaars moesten zich volgens hem zelf zuiveren en verheffen om zich van het idealisme bewust te worden. Het moderne idealisme trok kunstenaars weg van het materialisme en wees hen op de kunst als teken van een toekomstige spiritualiteit.

Armoede, onafhankelijkheid en beperkte zichtbaarheid

Jean Delville kwam uit een arbeidersmilieu in België en kende in het begin van zijn loopbaan langdurig grote armoede. Die toestand werd af en toe verlicht door de toelage die verbonden was aan de Prijs van Rome, die hij had gewonnen. Later was hij werkzaam aan de Glasgow School of Art en vervolgens aan de École des Beaux-Arts.

Delville verkocht nooit werken aan handelaars en nam maar heel zelden particuliere opdrachten voor portretten aan. De meeste van zijn schilderijen waren monumentaal van opzet en waren bedoeld om in openbare ruimten te worden getoond. Daarmee sloot hij aan bij het ideaal van de maatschappelijke rol van de kunst. Hij verdedigde zijn ideeën en artistieke idealen uiterst onafhankelijk, maar de gangbare critici en zijn tijdgenoten keerden zich doorgaans af van zijn kunst. Tijdens zijn leven bleef hij daardoor een stem in de woestijn.

Zijn belangrijkste werken kregen slechts beperkte zichtbaarheid in openbare musea. Het Museum voor Schone Kunsten in Brussel bezit meer werken van Delville dan enige andere openbare collectie, al zijn daar slechts enkele stukken voor het publiek te zien. Buiten België bevinden zich in grote musea slechts weinig werken van hem, met uitzondering van het Musée d'Orsay in Parijs. Veel van zijn kleinere werken zijn verdwenen of vernietigd, en een groot aantal stukken bevindt zich in privécollecties waarvan de verblijfplaats onbekend is. Daardoor blijven zijn werken uiterst moeilijk toegankelijk en grotendeels aan het publieke oog onttrokken. Van enkele schilderijen en tekeningen bestaan wel reproducties op het internet, maar die zijn doorgaans van lage kwaliteit.

Tot voor kort bestonden er nauwelijks belangrijke studies of monografieën over zijn werk. Intussen groeit de belangstelling opnieuw: Delville werd opgenomen in een belangrijke retrospectieve tentoonstelling in Namen, waar veel belangrijke schilderijen en tekeningen samen werden gebracht. Ook Belgische en Engelse kunsthistorici tonen weer meer interesse en werken samen met Delvilles erfgenamen en nalatenschap om via studies en monografieën meer gedetailleerde aspecten van zijn leven en werk bloot te leggen.

In de populaire cultuur

Volgens vermeldingen in de populaire cultuur werd het schilderij gebruikt voor de hoes van het album *A Tribute to Insanity* van de Zweedse thrashmetalband Hexenhaus uit 1988. Ook zou de Amerikaanse deathmetalgroep Morbid Angel het hebben gebruikt voor de hoes van hun tweede album *Blessed Are the Sick* uit 1991. Daarnaast wordt het schilderij geciteerd en beschreven in het stripverhaal *Providence* van Alan Moore, uitgegeven door Avatar Pers in het derde nummer van twaalf.

Scroll naar boven